Un total de quince espectáculos de teatro y danza conforman la programación especial que Donostia Kultura y el 2016 han elaborado para este año, con la cultura para la convivencia como eje central. Se trata de siete obras teatrales – entre las que figuran ‘Incendios’, de Wajdi Mouawad, o ‘Solitudes’ – y siete espectáculos de danza, más un montaje circense procedente de Hungría. La programación, que se desarrolla desde el mes pasado hasta diciembre, se cerrará con una coproducción propia: ‘Último tren a Treblinka’, de la compañía Vaivén, en la que relata el trágico final del pedagogo polaco Janusz Kôrczak y los doscientos niños judíos de su orfanato.

Donostia Kultura y DSS2016EU han presentado esta mañana el programa que han elaborado de forma conjunta, en el marco del programa ‘Conversaciones’. Según han dado a conocer, ambas entidades están de acuerdo en que «ser Capital Cultural europea exige estar a la altura de un reto tan importante y diseñar una programación de Teatro y otra de Danza que sean ‘marca 2016’». Así, palabras como «innovador», «contemporáneo» o «internacional» deberán servir para adjetivar las obras que podrán verse en los teatros de la capital guipuzcoana hasta diciembre.

Para reforzar el carácter especial que este año adquiere la programación de Donostia Kultura, todas las obras de teatro responderán al ‘leit motiv’ ¿Para qué sirve el teatro? Según ha explicado Norka Chiapusso, Director de programación de Teatro y Danza de Donostia Kultura se representarán sobre las tablas funciones sensibles a la realidad sociocultural y económica del ciudadano de a pie. «¿Para que sirve un teatro que no denuncia las injusticias sociales? ¿o las discriminaciones por opción sexual? ¿o las agresiones a las mujeres? ¿Para qué sirve un teatro si no cuenta lo que sucede en su sociedad? ¿Para qué sirve un teatro que pasa de puntillas sobre los problemas reales? ¿O no informa? ¿O no argumenta?», se ha preguntado Chiapusso. «Presentamos un ciclo de teatro comprometido, que no mira hacia otro lado y que aporta una visión contemporánea de los temas de hoy y de siempre», ha asegurado.

En lo referente a la programación de Danza, el ‘leit motiv’ es el ‘Encuentro entre diferentes’. «El movimiento, el lenguaje universal de cada cuerpo. Sin fronteras, ni traducciones…Marcando un eje donde se desarrollan las ideas, los contenidos y se tienden puentes entre diferentes. Buscando. Conversando», ha matizado el Director de programación de Teatro y Danza de Donostia Kultura.

El primer espectáculo de estas características ya se pudo ver el pasado fin de semana, cuando Kukai Dantza y La Veronal representaron en el Victoria Eugenia ‘Oskara’, una obra que aúna dos universos coreográficos diferentes que recorre la cultura vasca desde sus mitos y orígenes a la época contemporánea, de arte internacional y de vanguardia.

Junto a los espectáculos, se propondrán actividades complementarias donde la ciudadanía y los artistas podrán relacionarse, como encuentros, coloquios o talleres, entre otras.

Programación para el Victoria Eugenia en 2016

Durante la Segunda Guerra Mundial, 200.000 ‘mujeres consuelo’, mayoritariamente coreanas, fueron raptadas por el ejército japonés para ser esclavas sexuales. Esta producción brinda homenaje a las mujeres que sufrieron esta atrocidad poco conocida. Ambientada en una ‘estación de consuelo’ siniestramente denominada Hotel Splendid, nos encontramos con cuatro mujeres y un piloto kamikaze que se enamora de una de ellas. Somos testigos de los horrores que las visitan y la fuerza, dignidad e incluso el humor con que los enfrentan. Es una poderosa producción de belleza extraordinaria y sorpresiva esperanza. Versión original subtitulada.

Marta Etura y Chevi Muraday se unen en un nuevo proyecto para compartir inquietudes, donde la danza y la palabra dialogan en un mismo plano. Indagan en las relaciones de pareja y las frustraciones que se originan ante las expectativas propias y las generadas por la sociedad. El punto de partida será las nuevas formas de entender las dificultades de las relaciones y el choque entre la naturaleza propia del amor y la imagen que la sociedad genera del mismo.

¿El verdadero amor es una sustancia basada en la realidad, o en algo imaginario e irreal? “En ti, me amo también a mí mismo”. Amarse a uno mismo a partir de amar a otra persona. Dos personas cuya complicidad va creando un universo en el que conviven, sueñan, respiran, para finalmente entender que no es más que el espejismo de una realidad ficticia que es aprendida desde la juventud. Esta estructura, de repente, se rompe y eso les deja mutilados. El entorno se transforma y el espacio que comparten empieza a asfixiarles.

Akram Khan; Israel Galván; Khan; Galván; La propia eufonía de los nombres nos pone en el camino. El baile antes de que fuera danza. En ese paso, en ese intermedio, en ese intersticio se mueven.

No se trata, desde luego, de un intercambio étnico entre tradiciones, de ningún ejercicio de danza global. Se trata de hacer conjunto de una manera de entender el baile –sí, claro, viene de bailar kathak y flamenco – , que quiere situarse en los principios de la voz y del gesto, antes de que empezaran a producir significados. Mímesis antes que mimetismo.

Israel Galván y Akram Khan. Se trata de eso, de bailar sin concesiones y que el público siga pensando qué es danza.

Tres actos. Tres géneros. Tres lenguajes. Seis actores – cantantes jóvenes rotan roles, puntos de vista, sobre la poeta uruguaya Delmira Agustini, asesinada en 1914 por su ex marido, cuando eran amantes. Con una introducción polémica sobre el lugar que ocupan en la sociedad nuestros artistas , qué valor tienen de acuerdo al gobierno de turno y la ideología imperante. Morena, como mujer artista dialoga con otra artista.

Creado y dirigido por Marianella Morena, Lucía Trentini, Agustín Urrutia, Mané Pérez, Christian Amacoria, Laura Báez y Domingo Milesi componen el reparto de este espectáculo.

Tres danzas favoritas sobre la pasión, el instinto y la consolación. Interfacial Scale, Your Passion is Pure Joy to Me y Noetic: tres espectáculos de baile de entre los más aclamados, presentados en un nuevo contexto.

Interfacial Scale, de Hiroaki Umeda, que explora el interfaz entre la danza y lo desconocido, lo que está del otro lado de la danza, está inspirado por el conocimiento tácito y el comportamiento colectivo. Su hermosa y cinematográfica música fue compuesta para The Göteborg Opera Orchestra por Yoshihiro Hanno y fue seleccionada para ser presentada en la Ice Hot Bienale de Oslo en el 2014.

Con coreografía de Stijn Celis e interpretada musicalmente por Nick Cave, la pieza Your Passion Is Pure Joy to Me fue incluida en el programa In Memorian (2009). Y por último, Noetic, que ha supuesto un gran éxito para la compañía en teatros y festivales de todo el mundo y que vuelve con coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui y diseño escenográfico de Antony Gormley, con música compuesta especialmente para la ocasión por Szymon Brzoska, el músico tradicional japonés Shogo Yoshii y la cantante Miriam Andersen.

Labio de liebre es una obra sobre una de las pasiones infalibles en la narración dramática: la venganza. Pero también sobre una de las acciones más difíciles: el perdón. Salvo Castello, un empleado eficiente ha colaborado con firmeza en la ejecución de hechos atroces. Ha obrado por convicción, por rabia, por dolor; pero también por venganza. Se arrepiente. Pero queda en deuda.

Para saldar su deuda debe enfrentarse en su propia casa con hechos del pasado; fragmentos olvidados por voluntad, por obligación o por inercia. La familia Sosa, afectada años atrás, renuncia a cobrarle a don Salvo los daños del pasado. No todos. Hay algunos que no se pueden perder en la memoria, ni sepultar en los terrenos del perdón. Renunciar a la venganza como forma de justicia, no significa que los afectados no reclamen otras cosas. Piden, exigen. Tanto, que a veces la exigencia es tan insistente e inalterable que parece cruel, cercana a la venganza.

El protagonista de Solitudes se siente incomprendido porque, como casi todos los ancianos para los que su vida es prácticamente una espera, ya solo desea cosas sencillas. Cosas tan simples, que los demás no llegan a valorar su verdadera importancia. Lo extraordinario de esta historia es que el anciano – contra lo que podría esperarse de alguien con una vida sin alicientes – no se resigna, no renuncia a sus pequeños deseos y pelea por ellos con determinación y dignidad. Esto, claro tendrá sus consecuencias para él mismo y para quienes le rodean.

Solitudes es un espectáculo que como su título indica, versa sobre las distintas formas de soledad. Un anciano viudo, su hijo y su nieta, y una mujer obligada a prostituirse en la calle para sacar adelante a su hijo, son los principales personajes de esta obra, en la que cada uno trata de mantenerse a flote, en una sociedad donde impera la incomunicación entre generaciones, y donde a veces la atención se confunde con la compañía.

Iñaki Rikarte dirige a Garbiñe Insausti, José Dault y Edu Cárcamo en este espectáculo coproducido con ESZENA T (Victoria Eugenia Antzokia y Scène Nationale du Sud – Aquitaine).

Estrenado en el New National Theatre de Tokio, en este genuino espectáculo ofrecerán el resultado de la exploración y experimentación entre las raíces de la danza y los ritmos creados a través de la txalaparta.

Wajdi Mouawad es un incendiario. Pero de las fabulosas aves fénix que renacen de sus cenizas.

Incendios habla de ese renacer, de fuegos que a veces hay que sembrar, del terrible camino que a menudo hace falta recorrer para llegar a uno mismo. Una mujer acaba de morir y hoy abre la puerta a su silencio y a sus secretos. Deja a sus gemelos un traje de tela verde, un cuaderno rojo y dos sobres que son como dos cajas de Pandora de las que surgen males y maravillas, y cuyo contenido les va a arrastrar a una fabulosa odisea, hacia un continente lejano, hacia un pasado desconocido, hacia un segundo nacer.

Mario Gas dirige a Nuria Espert en esta obra del autor libanés Wadji Mouawad.

La vida del payaso llega a su fin. Está a punto de entrar en lo desconocido, pero antes de que caiga el telón necesita despojarse de todo para dar sus últimos pasos con el alma desnuda. ¿Qué hay detrás de la máscara siempre sonriente del payaso? En esta producción, los actores se despojan literal y figurativamente del disfraz, cuando invitan a la audiencia a un inusual viaje interior por ámbitos imaginarios donde las barreras protectoras de la realidad desaparecen.

El espectáculo supera las fronteras existentes entre el arte circense, la danza, el teatro y la música.

La compañía invitó a cinco bailarines y cuatro artistas del trampolín a tomar parte en la creación de The Naked Clown durante un año. Las composiciones musicales del espectáculo fueron grabadas por una orquesta sinfónica, que recreó la música europea de los siglos XIX y XX con todo el sabor circense.

She poems es un proyecto original e innovador creado por Aïda Colmenero Dïaz que presenta dos piezas de danza creadas a partir de video – danzas construidas en Senegal, Nigeria, Tanzania y Camerún. Este trabajo audiovisual de danza contemporánea realizado por y para las mujeres trata, a través de la poesía, el tema de la identidad de las mujeres y la protección de sus derechos.

She poems es un proyecto sobre la igualdad de oportunidades en la danza africana – tradicionalmente interpretada por hombres – , la profesionalización y la capacidad en la composición coreográfica y la interpretación creativa, el empoderamiento y la visualización de la mujer africana como artista, dentro y fuera de sus fronteras.

El Retablo de las maravillas que escribió Cervantes hace cuatro siglos, presenta una divertida sátira sobre las hipocresías de la España de la época. Los mandatarios de un pueblo, ante un Retablo vacío mostrado por unos cómicos, y aparentemente mágico por no enseñar nada a sucios de sangre o bastardos, simulan ver lo que no ven para demostrar que son “gentes de bien nacer”. La disparatada sátira cobra dramatismo y se acentúa la acidez del discurso cervantino en un sorprendente final. Morfeo presenta esta cruel sátira basada en una selección de varias obras de Cervantes y teniendo como pieza principal el famoso entremés cervantino.

Una producción de Morfeo Teatro Clásico, bajo dramaturgia y dirección de Francisco Negro, con el propio Francisco Negro, Mayte Bona, Felipe Santiago, Adolfo Pastor, Santiago Nogués, Mamen Godoy y Joan Llaneras en el reparto.

Nuestra supervivencia es una cuestión vertical: levantarse tras caerse constituye un ciclo infinito que se reproduce cada día. Todos somos partícipes de esta simétrica dinámica, pero cada uno la siente única e intransferible. Siempre inmersos en grupos procuramos encontrar el sentido, la libertad, comprobando si es posible la `caída libre´. Las resistencias a `caer´, a abandonar estructuras vitales defensivas y asfixiantes pueden, en ocasiones, conducir a un estancamiento desalentador, a un estado redundante de la existencia en el que el individuo no encuentra una posible bifurcación y vive en el atrapamiento. Nos preguntamos cómo un grupo puede facilitar esa “caída”, cómo puede servir de aliento y soporte para que el individuo pueda redimirse, entregarse a su naturaleza y continuar con su camino. Como ese remanso de agua que se resiste a precipitarse por la cascada y finalmente recibe el empuje de la corriente realizando una caída libre.

Miércoles 5 de agosto de 1942, Varsovia. Un orfanato con 200 niños judíos, liderado por el doctor y pedagogo Janusz Kòrczak, junto con su inseparable colaboradora Stefania Wilczynska, formó allí una verdadera república infantil.

Trabajando mano a mano con los niños creó una constitución con sus leyes, reglamentos y también un código penal. Los espectadores serán parte de ellos, ya que estarán aposentados en sus camaslitera, el último día de este orfanato, siendo así, partícipes de su organización interna, de su rutina diaria, de sus miedos y alegrías…

El público será testigo de uno de sus juicios donde una terrible notificación acabará con sus sueños y su existencia: deben abandonar el orfanato y dirigirse al tren que les llevará al campo de concentración de Treblinka.